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Ce tableau de Watteau était autrefois appelé « Gilles », mais on lui préfère à présent un titre plus proche du sujet : le Pierrot (1718-19). Sa destination n’est d’ailleurs pas clairement définie : est-ce une enseigne de théâtre pour un café ou un spectacle de forains ? Est-ce une commande ou une toile qui trouve en elle-même sa propre finalité ?
Le personnage de Pierrot occupe toute la hauteur du tableau et se détache sur le ciel, tandis que les personnages de la Comédie italienne qui l’accompagnent sont vus à mi-corps, derrière des feuillages. On distingue ainsi trois des compères habituels de Pierrot : Léandre et Isabelle, les amoureux, et le capitaine. Le Docteur sur son âne, Crispin, vient quant à lui du répertoire de la Comédie-Française.
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🌎 This painting by Watteau was formerly known by the title Gilles, but nowadays the title Pierrot (1718-19) is preferred as being closer to the theme of the work.
The character of Pierrot takes up almost the entire painting, standing out against the sky, while the characters from the Commedia dell’Arte are painted in half-length, hidden behind foliage. Three of Pierrot’s usual companions can be distinguished: Léandre and Isabelle, the lovers, and the Captain. The Doctor on his donkey, Crispin, comes from the Comédie-Française repertoire.
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🇫🇷 Cette sculpture provient de Cerveteri (vers 520 - 510 av. J.-C.), une cité célèbre à l’époque archaïque pour sa sculpture en argile. Il s’agit d’un sarcophage figurant les défunts tendrement enlacés, à demi étendus sur un lit dans l’attitude de banqueteurs. Pièce maitresse de la collection Campana, ce sarcophage dit des époux a probablement été découvert vers 1845-1846.
La qualité et le modelé des figures et le soin apporté au décor peint font de cette urne monumentale l’une des productions les plus abouties des ateliers étrusques, dont on connait au moins une réplique, légèrement différente, trouvée en 1881.
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🌍 This sculpture comes from Cerveteri (c. 520 - 510 BC), a city famous in the Archaic period for its clay sculpture. It is a sarcophagus depicting the deceased tenderly entwined, half stretched out on a bed in the attitude of banqueters. A masterpiece in the Campana collection, this sarcophages, known as the Husband and Wife, was probably discovered around 1845-1846.
The quality and modelling of the figures and the care taken with the painted decoration make this monumental urn one of the most accomplished productions of the Etruscan workshops, of which at least one slightly different replica, found in 1881, is known.
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🇫🇷 Cet hippopotame en faïence égyptienne bleu vif, figé dans l'attitude de la marche, semble se glisser dans l'onde au milieu des plantes aquatiques dont il est décoré. Son excellent état de conservation et ses grandes dimensions en font un objet exceptionnel dans le catalogue des hippopotames en faïence dispersés à travers le monde ; on en compte environ cinquante exemplaires, aux dimensions variant de neuf à vingt-trois centimètres de long.
Ces figures d'hippopotames en faïence égyptienne, brillantes et d'un bleu vif, étaient déposées dans les tombes des hauts fonctionnaires à la fin du Moyen Empire.
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🌍 This bright blue Egyptian faience hippopotamus, captured in mid-stride, seems to be gliding through the water amidst the aquatic plants with which it is decorated. Its excellent state of preservation and its large size make it an exceptional piece among the faience hippopotamuses scattered throughout the world; there are approximately fifty known examples, ranging in size from nine to twenty-three centimeters in length.
These Egyptian faience hippopotamus figures, glossy and bright blue, were placed in the tombs of high-ranking officials during the late Middle Kingdom.
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🇫🇷 Ce savant, peint par Johannes Vermeer en 1668, vous accueille dans l’intimité de son cabinet de travail, bercé par une lumière douce et latérale.
La main tendue vers le globe céleste, l’astronome est vêtu d’une ample robe vert foncé et semble être complètement absorbé dans la vision d’un ciel lointain.
Il est entouré d’objets savamment ordonnés et décrits avec réalisme : globe céleste, manuel d’astronomie et de géographie, compas et astrolabe ancien. Tous ces objets témoignent de l’intérêt de l’époque pour la découverte des continents, l’étude de l’univers et de l’espace stellaire.
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🌍 This scholar, painted by Johannes Vermeer in 1668, welcomes you into the intimacy of his study, bathed in soft, side lighting.
The astronomer, his hand reaching toward the celestial globe, is dressed in a loose-fitting dark green robe and seems to be completely absorbed in the vision of a distant sky.
He is surrounded by objects that are carefully arranged and realistically depicted: a celestial globe, an astronomy and geography manual, a compass, and an ancient astrolabe. All of these objects reflect the interest of the time in the discovery of continents and the study of the universe and outer space.
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🇫🇷 Le peintre Théodore Chassériau représente dans cette toile peinte en 1843 ses deux sœurs, Aline et Adèle. Cachée derrière le drapé mouvementé des étoffes rouge et or, leur silhouette semble former comme un seul corps à deux têtes.
Aline, à gauche, frôle la partie claire du mur tandis qu’Adèle se détache sur sa partie sombre. Elles sont encadrées, aux angles, en diagonale, par un chambranle sculpté, en haut à droite, et par un coin de table, en bas à gauche.
L’artiste rivalise ici avec l’éclat des portraits réalisés par son maître Ingres, et innove en proposant ce double portrait où les modèles sont vêtues et coiffées de manière identique. Il s’agit aussi d’un témoignage d’amour entre sœurs et frère, visible par l’entrelacement des mains et la douceur des regards.
Venez découvrir cette œuvre au deuxième étage de l’Aile Sully, en salle 943.
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🌍 The painter Théodore Chassériau depicts in this double portrait his two sisters, Aline and Adèle. Hidden behind the animated drapery of red and gold fabrics, their silhouette forms a single body with two heads.
Aline, on the left, brushes against the lighter part of the wall while Adele stands out on the darker part. They are framed, at the corners, diagonally, by a carved doorframe, top right, and by a table corner, bottom left.
Here, the painter rivals the portraits painted by his master Ingres, and breaks new ground with this double portrait in which the models are identically dressed and coiffed. It’s also a testimony to the love between sisters and brother, visible in the intertwining of hands and the softness of gazes.
Come and discover this work on the second floor of the Sully wing, in room 943.
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🇫🇷 Athlète grec plusieurs fois vainqueur aux jeux olympiques et pythiques, Milon vieillissant voulut tester sa vigueur en fendant un tronc d'arbre déjà entrouvert. Sa main resta prisonnière du tronc et il fut dévoré par les loups, ici remplacés par un lion.
Autorisé par Colbert à utiliser trois blocs de marbre de Carrare restés inutilisés dans le port de Toulon, Pierre Puget, sculpteur marseillais formé dans l'Italie baroque, entreprend dès 1671 le Milon de Crotone, qu'il n'achève qu'en 1682.
Le thème, jusque-là inconnu en sculpture, est une méditation sur la Force vaincue par le Temps, mais aussi sur l'orgueil de l'Homme : Milon est avant tout vaincu par sa vanité, qui refuse la faiblesse de son âge. Sa douleur est autant morale que physique.
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🌎 A Greek athlete and multiple winner of the Olympic and Pythian Games, the aging Milon tried to test his strength by splitting open a tree trunk. His hand remained trapped in the trunk, and he was devoured by wolves, here replaced by a lion.
Authorized by Colbert to use three blocks of Carrara marble left unused in the port of Toulon, Pierre Puget, a Marseille sculptor trained in Baroque Italy, began work on Milon de Crotone in 1671, but did not complete it until 1682.
The theme, hitherto unknown in sculpture, is a meditation on Strength vanquished by Time, but also on the pride of Man: Milon is above all vanquished by his vanity, which refuses the weakness of his age. His pain is as much moral as physical.
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🇫🇷 La Vénus de Milo, découverte en avril 1820, s’est imposée depuis lors comme l’une des icônes de la sculpture grecque. Cette statue d’Aphrodite à demi nue, sculptée en marbre de Paros vers 120-100 avant J.-C, est une ode à la déesse de la beauté.
Les hommages que lui ont rendu Delacroix, Rodin ou plus facétieusement Dali, ont beaucoup contribué à sa célébrité. Avec La Joconde et la Victoire de Samothrace, elle fait partie des trois grandes dames du musée du Louvre.
Comme c’est le cas pour certaines statues antiques, la Vénus de Milo est composée de plusieurs blocs de marbre de Paros. Son corps a été sculpté en deux parties : le raccord entre le buste et les jambes se devine à peine au niveau des hanches, car il est dissimulé dans le drapé.
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🌎 The Venus de Milo, discovered in April 1820, has since established itself as one of the icons of Greek sculpture. This half-nude statue of Aphrodite, sculpted in Paros marble around 120-100 BC, is an ode to the goddess of beauty.
The tributes paid to her by Delacroix, Rodin and, more facetiously, Dali, have greatly contributed to her fame. Along with the Mona Lisa and the Victory of Samothrace, she is one of the three great ladies of the Louvre.
As with some ancient statues, the Venus de Milo is composed of several blocks of Paros marble. Her body was sculpted in two parts: the connection between bust and legs is barely visible at the hips, as it is concealed in the drapery.
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🇫🇷 Cette statue est une représentation du roi Childebert Ier, fils de Clovis, fondateur de l'abbaye Sainte-Croix-Saint-Vincent au 6e siècle, devenue plus tard Saint-Germain-des-Prés. C’est un portrait dit rétrospectif, car réalisé au 13e siècle.
Le roi est vêtu d'une robe serrée à la taille par une ceinture de cuir à ornements métalliques. Il portait dans la main droite un sceptre aujourd'hui mutilé tandis que la main gauche retenait la bride d'un lourd manteau. Il est coiffé d'une couronne à quatre fleurons.
C'est un des exemples les plus précoces du nouveau style qui s'épanouit à Paris vers le milieu du 13e siècle. Après 1240, les sculpteurs acquièrent en effet plus de liberté dans le jeu des volumes. Une sorte de désinvolture dans la gestuelle s’installe. Le visage de Childebert, à la barbe et à la chevelure bouclées, est proche de celui du Christ du portail central de Notre-Dame de Paris.
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🌎 This statue is a representation of King Childebert I, son of Clovis and founder of the Sainte-Croix-Saint-Vincent abbey in the 6th century, which later became Saint-Germain-des-Prés. This is a retrospective portrait, as it was sculpted in the 13th century.
The king is wearing a robe cinched at the waist by a leather belt with metal ornaments. In his right hand, he carried a sceptre, now mutilated, while his left hand held the strap of a heavy cloak. He is wearing a crown with four fleurons.
This is one of the earliest examples of the new style that flourished in Paris around the middle of the 13th century. After 1240, sculptors acquired greater freedom in their use of volume. A kind of casualness in gestures took hold. Childebert's face, with its beard and curly hair, is similar to that of Christ in the central portal of Notre-Dame de Paris.
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🇫🇷 Ces deux retables provenant de la Sainte-Chapelle de Paris, exécutés pour le roi Henri II en 1553 par l’émailleur Léonard Limosin en lien avec le peintre italien Nicolò dell’Abbate, comptent au nombre des chefs-d’œuvre de la Renaissance française exposés au musée du Louvre.
Ils ont pour thèmes la Crucifixion et la Résurrection du Christ, accompagnées des portraits de François Ier et Claude de France sur l’un, Henri II et Catherine de Médicis sur l’autre, ainsi que de scènes de la vie du Christ et de huit anges portant les instruments de la Passion.
Ils constituent un cas unique de commande royale pour des retables en émail peint de Limoges et témoignent à ce titre du prestige atteint par cet art au milieu du 16e siècle.
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🌎 These two altarpieces from the Sainte-Chapelle in Paris, executed for King Henri II in 1553 by the enameller Léonard Limosin in association with the Italian painter Nicolò dell’Abbate, are among the masterpieces of the French Renaissance on display at the Musée du Louvre.
Their themes are the Crucifixion and Resurrection of Christ, accompanied by portraits of François I and Claude de France on one, Henri II and Catherine de Médicis on the other, as well as scenes from the life of Christ and eight angels carrying the instruments of the Passion.
They represent a unique royal commission for painted enamel altarpieces from Limoges, testifying to the prestige attained by this art form in the mid-sixteenth century.
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🇫🇷 Le dieu Amon est représenté ici sous sa forme humaine, portant le pagne plissé et le corselet, la barbe divine au menton et sa traditionnelle coiffure dominée de plumes. Des parures soigneusement détaillées ornent son cou et ses bras. Le roi Toutânkhamon porte le costume des prêtres d’Amon, pagne ceinturé et peau de félin.
Si les traits du souverain ne sont pas conservés, ceux du dieu en sont l’exact reflet : le visage doux, féminisé, caractérise les portraits de cette dynastie. Les yeux en amande, le menton légèrement projeté en avant et la bouche charnue correspondent aux traits du visage de Toutânkhamon tels qu’on les connaît.
Cette grande statue en diorite très sombre fut découverte à Karnak, en 1857. Elle fait partie d’une série de monuments confirmant la consolidation des liens entre Amon et le roi, après la « révolution amarnienne » où Aménophis IV-Akhénaton avait privilégié le culte d’Aton.
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🌍 Amun is represented in human form, wearing a pleated loincloth and corselet, divine beard and the traditional headdress topped with tall feathers. Carefully detailed jewels decorate his neck and arms. The sovereign Toutânkhamon is wearing the vestments of the Amun priesthood, a starched loincloth and feline pelt.
The king’s head is now missing, but the god’s soft and feminine features, in keeping with the portraiture style of this dynasty, reproduce the pharaoh’s face. The almond-shaped eyes, the slightly jutting chin and the full lips correspond exactly to the features of Tutankhamen’s face as represented in other works.
This large statue, made of dark diorite, was discovered in Karnak in 1857. It is one of a series of monuments that confirmed the restoration of Amun as Egypt’s primary deity after the « Armarna revolution, » during which King Amenophis IV-Akhenaten chose to worship the god Aten.
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🇫🇷 Le Scribe accroupi représente un lettré ayant vécu il y a plus de 4 500 ans, prêt à écrire sur un papyrus posé sur ses genoux qu’il déroule de la main gauche. Il devait tenir dans sa main droite un calame, ce pinceau fait d’une tige végétale aujourd’hui disparu.
La pierre calcaire a été peinte de couleurs vives pour rendre la sculpture vivante - noir pour les cheveux et le sol, brun pour la peau qui contraste avec le blanc du pagne dont il est vêtu. Mais c’est avant tout son regard particulier qui le rend si célèbre : le scribe se tient de face et semble fixer le spectateur avec intensité, l’iris de l’œil, formé d’un cône de cristal de roche poli, reflète la lumière donnant au regard l’impression d’un éclair de vie. Les paupières dessinées d’un trait de khôl sombre, soulignent les yeux qui miment à merveille la réalité, rendant la statue particulièrement captivante.
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🌍 The Scribe depicts a scholar who lived over 4,500 years ago, ready to write on a papyrus scroll resting on his knees, which he unrolls with his left hand. He would have held a calamus in his right hand, a brush made from a plant stem that is now extinct.
The limestone was painted in bright colors to bring the sculpture to life—black for the hair and ground, brown for the skin, contrasting with the white of the loincloth he is wearing. But it is above all his distinctive gaze that makes him so famous: the scribe stands facing forward and seems to stare intently at the viewer, the iris of his eye, formed from a polished rock crystal cone, reflecting the light and giving his gaze the impression of a spark of life. The eyelids, drawn with a dark kohl line, emphasize the eyes, which perfectly mimic reality, making the statue particularly captivating.
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🇫🇷 Saviez-vous que le Louvre avait servi de prison d’Etat et qu’un compagnon de Jeanne d’Arc y avait été enfermé❓
🏰 Achevée en 1202, la forteresse du Louvre était à l’époque principalement dédiée à protéger les archives, arsenaux et trésors de la royauté. Mais à partir de 1214, la bâtisse s’est vue confier une nouvelle mission : abriter des prisonniers de haute importance, bien souvent d’ascendance aristocratique.
⛓️ C’est au sein des cachots de la « grosse tour » qu’étaient alors enfermés les détenus. L’un des derniers prisonniers confinés au Louvre fut Jean II d’Alençon, compagnon d’armes de Jeanne d’Arc, qui le surnommait « le gentil duc ».
👀 Cette « Jeanne d'Arc écoutant ses voix » fut commandée en 1845 au sculpteur François Rude pour la série des statues des Femmes illustres destinées à être placées sur les terrasses du jardin du Luxembourg. Elle est présentée au musée du Louvre à partir de 1990.
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🌍 Did you know that the Louvre had been used as a state prison and that a companion of Joan of Arc had been locked up there❓
🏰 Completed in 1202, the fortress of the Louvre served primarily as a safe for royal archives, arsenals, and treasures. But from 1214 onward, the building was given a new mission: to house prisoners of high importance, many of them of aristocratic descent.
⛓️ It is within the dungeons of the "big tower", as it was called at the time, that the prisoners were locked up. One of the last prisoners confined to the Louvre was Jean II d'Alençon, companion in arms of Joan of Arc, who nicknamed him "the nice duke".
👀 This "Joan of Arc Listening to Her Voices" was commissioned from sculptor François Rude in 1845 as part of a series of statues of illustrious women to be placed on the terraces of the Luxembourg Gardens. It has been on display at the Musée du Louvre since 1990.
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