GHOST DESIGN LAB

no本・美術・哲学をもとにデザインの判断基準を解体する批評メディア。note『GHOST DESIGN LAB』を運営しています。

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

無数の「それっぽいもの」が溢れる時代に、何が本物かを見極今、世の中は「それらしいもの」で溢れている。
本物と偽物の見分けがつかなくなってきた時代に、
本当に頼れるのは「自分の感覚」だけだ。その感覚を磨くために、
毎月一冊「今読むべき本」を選び、
デザインの視点で深く読み解き、言葉に翻訳してお届けしています。なぜこの活動を続けているのか、詳しくはこちら。

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[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

面白い視点！西洋音楽が諦めた「終点を目指す道」を、J-POPはなぜか今も進めていると捉えると、考察するのが楽しいですね。個人的にはそもそも創作のあり方が違う気がしています。

個人の思想を重視する文化の中で生まれる創作と、個人よりも和や空気を重視する文化の中で生まれる創作では、その方向を左右する引力の出所が全く違うのかなと。
だから似た道を辿ってるように見えても、実は全然違うレイヤーにいる、みたいな可能性もありそうです。

[まぐろかな @Maguro_Kana]

個人的には、海外、というかアメリカ音楽のループ性の起源はドイツを初めとした現代音楽だと思っているのだけれど、これはつまり現代思想と結ばれているとも言え、それまでの交響曲的な『変化し続け終点を目指す音楽』が終わってしまったのが西洋音楽、まだ終わっていないのがJ-POPなのではないかなと

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

すべり猫がここまでミーム化しているのが面白い。複製されることで文化が芽生えるこの構造、ムンクや二郎風や若者言葉と同じだ。
面白いのは、消えるミームと消えないミームの境目。ムンクの叫びはあれだけ消費されても摩耗しなかった。複製がどれだけ出回ってもそれは表面だけの複製で、絵から生じる感情は本物にしかないから。若者言葉も、その言葉でしか表せない感覚があるから。
そのものでしか表現しえない切実さが、消費されない価値なのかもしれない。

[たぬき｜CAD素材.com @TNS_tanu]

作ったすべり猫ちゃんのCADデータを、今日はじめて仕事で使ってみました
先方にバレないように、こっそり図面に入れました

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説明できないことは弱さじゃない。処理が終わらないことの別名だ。この一文を書くために、匂いの歴史を5章分歩きました。

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[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

面白い。「日本＝サビ、海外＝ループ」って、古典で考える庭園や絵画の対比（西洋＝到達点、日本＝回遊）と完全に逆転している。

たぶん「日本人だから／西洋人だから」で説明しようとすると、こうやってすぐ破綻する。J-POPもループ的な洋楽も近代に生まれたもので、文化はとっくに融合している。この逆転自体が、それを裏側から証明している気がする。

[re:sonance @reSonancePortal]

J-POPは「サビ」という明確な到達点を作り、期待から解放へ向かう構造で快感を作る。
一方、海外の一部ジャンルでは印象的なリフやループを反復することで、身体的な没入や予測の快感を作る。

日本人と海外人で脳が違う」ではなく、「音楽文化がどんな報酬設計を発達させたか」です。

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

深読みでしかないんですがこの刺繍、グラフィックの完成形じゃなくて、その手前のスタディなのかもしれない。そう読むと一気に面白くなる。
スタディは普通、速く安くやるもの。なのにこの人は、試行錯誤の段階に刺繍という最も遅くコストの高い手段を持ってきている。一本の線を引く間、ずっと考え続けることになる。その時間の負荷をくぐった線だけが、グラフィックに展開される。
速いものが遅いものを導く、という効率の常識の逆。遅さを通すことでしか発見できない形が、確かにある気がする。

[𝗄𝗈𝗀𝗂𝗌𝗈𝗋𝗂𝗈 @kogisorio]

刺繍とグラフィックの可能性

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

「イチゴらしさ」の基準が畑じゃなく開発室で更新されていく。「清潔さ」の基準が身体じゃなく商品棚で更新されていく。自分が「よさそう」と感じるとき、その感覚はどこから始まっているのか。匂いの文化史から書きました。

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[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

めちゃくちゃ面白い！歌がつくられる条件が歴史的な蓄積だけじゃなくて、今の生活と直結していることを証明してくれる視点。
歌を生み出すひとも育った環境、いま生きている環境に縛られているのかもしれいない。

[Takakiyo Komai @karmacoma2]

日本=気持ちよく歌える、海外=気持ちよく踊れる

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

興味深い。譲り受けたものや偶然混じりの格好の方が洗練されて見える、という話。でも、その偶然性が抜け感になるには、それを着こなせる審美眼や環境という作り込みが先に要る。無頓着がオシャレに見えること自体が、実は設計されている。
もっと言うと、あらゆる「良さ」の裏には、それが成立する前提条件がある。景色が綺麗な土地だから、大きな窓が良いものになるように。良さは単体では存在せず、必ず前提とセットで立ち上がる。
だとすると面白いのは、良し悪しを議論することじゃなく、前提条件そのものをいじることな気がする。
新しい前提条件をつくったファッションてなんなんだろう。

[Y U @yu_yu_yu_yu_yyu]

山本耀司が似たような事言ってたの流れてきた記憶ある『無頓着な方がいい』みたいな

でもこれって周りにオシャレな友人、ファッション関係者がいるコミュニティにしかなり得ない偶然だと思う
後は家族がオシャレとかね
『おばあちゃんのお下がり』ってすごいオシャレな言葉じゃない？

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

取り壊される洋館から象徴的な部材だけを「生け捕り」し、新築の住宅兼オフィスに再構築する。賛否が割れているプロジェクト。
批判の多くは「いいとこ取りの剥製化だ」というもの。でもその批判は、保存を神聖な行為とみなす前提から出ている。このプロジェクトは最初からその土俵に乗っていない。記憶は祀るものじゃなく、使いながら引き継ぐものだという、別の価値観に立っている。
景観条例もそうだけど、過去の資源との関係は、上から守るか壊すかじゃなく、生活者としてどう付き合うか、という選択肢の提示も必要。この建築は、それを生け捕りという強い言葉で見せた実践なんだと思う。強いて言えば選択されなかった何か、に対しての態度も見てみたい。
生きる、という行為は常に何かを選択し、何かを捨てている。それが建築の場でも実践された、ということだと思う。

[アーキテクチャーフォト®︎ @archiphoto]

【アーカイブ / 住宅】

yHa architects、福岡市の住宅兼オフィス

建築の保存に関わる施主の危惧を出発点とし、洋館の部材を譲りうけファサード等を“生け捕り”して新築建物に選択的転用と再構築を実践

https://t.co/WabKPemgqI

[菅俊一 / SUGE Syunichi @ssuge]

7/10(金) 18:30からKARIMOKU RESEARCH CENTERにてトークイベントをします。今回開発したKARIMOKU Me / Oursについての開発理念や過程など、小宮山洋さん、開発部門を主導しているカリモク家具の有賀さんと一緒にお話しします。要予約です。
https://t.co/3dx8qviFfD

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

そうなんですね！面白いです。伝統がこうも簡単に逆転するなら、文化って思っているより流動的であり、いまの生活環境と身体の呼応の結果でしかないのかもしれません。
一方で人間の身体は、まだ狩猟時代のDNAのままとも言われます。変われない身体と、変わりすぎる環境。この二つの速度差そのものが、文化のあり方を決めるのかもと思いました。伝統がDNAに刻まれるには、まだ時間が全然足りていない。

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

洞窟に押された無数の手形。中には、指が欠けたままのものがある。事故じゃない。自ら指を切ることで「わたし」の境界を越えようとした、痛みを伴う儀式の跡。美術の始まりには、いつも身体性が宿っている。
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[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

入浴前に身体へ油と軟膏を塗り、入浴後には乳香樹液と没薬とサフランの布で身体を巻く。フランシス・ベイコンの処方。清潔の中身は時代で入れ替わるけど、「匂いで危険を受け取る」身体の方は入れ替わっていない。

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[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

アートって、100年前の人たちの感情と繋がれる、のが面白いのかも

[春七 @haru91702155]

すげー綺麗だった
これを100年以上前の画家たちも綺麗だと思って描いたんだよ
すごくない？

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

モダナイズではない、工芸の進化の模索、は興味深い。シンプルで今風に洗練するのも綺麗だけど、工芸にはそれでしかなせない進化というか、表現があるような気がしている。

[designboom @designboom]

karl monies’ inherited craft explores how craft can evolve without losing its roots.

through vessels and lamps made of fungi, glass, clay, and metal, the project reinterprets traditional techniques through experimental materials and biological processes, treating making as something living rather than fixed.

presented during this year’s #3daysofdesign in copenhagen.
https://t.co/koTjQXZnnV

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

これは本の要約じゃなくて、読んだあとに現実が少し通り過ぎにくくなるための記事です。次にスーパーの肉売り場で「おいしそう」と思ったとき、その感覚の出所が気になり始めたら、効いてます。

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[遠藤大輔｜デザイナー＋美大講師｜著書『デザイン、学びのしくみ』 @Endo0226]

Pantoneが選んだ2026年の色は「白」。色を扱う組織にしては、なかなか大胆な選択ですね。今年も半ばに差し掛かりましたが、情報量は指数関数的に爆増するばかり。コミュニケーションをデザインする身としては、意識的に白を使って、デザインに余白を組み込んでいかなければいけないのかもしれません。

出典: Pantone「Color of the Year 2026 — Cloud Dancer」（2025年12月発表）
https://t.co/Zdvc6E0G4v

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

解釈を更新し続ける、というセンスの定義は面白い。言い換えると発見し続けることだし、発見を楽しみ続けることなんだろう。だから、センスのあると感じる人や表現は、見る人にも新鮮な発見、すなわち感動を与えてくれるのかも。
発見を相手にも分け与えることが、センスが良いと思われる条件といえそうだ。

[House Of Tapes @House_Of_Tapes]

「音楽センス」とは何でしょうか。

音楽は、同じ曲であっても、何を感じ取り、何に耳を向けるかによって、まったく異なる作品として立ち現れます。

作品の好き嫌いは、その入口です。

その先で、「なぜ自分はそう感じたのか」を掘り下げることもできるし、これまで見えていなかった別の解釈の可能性に気づくこともできます。

ひとつの聴き方に留まらず、自らの解釈を問い直し続けること。

音楽センスとは、知識の量や耳の良さだけではなく、「解釈を更新し続ける能力」なのかもしれません。

[GHOST DESIGN LAB @ghost_designlab]

めちゃくちゃわかる。大事なのは、自分の言葉と感覚のギャップに耳を澄ましておくこと、言葉を発見するという態度な気がしている。
言語化して「わかった」と感じた瞬間に、こぼれ落ちてしまう感覚がある。手垢のついた言葉に縋っても仕方がなくて、言葉にならないものがどう言葉になるか、どう形になるか。その発見を待つ態度からしか、面白さは生まれない気がする。

[Yuichiro Katsumoto @katsumoto_y]

「デザインは言語化できるべきだ」という話がある。でも、プロのデザイナーが書く本の多くはビジネス書や入門書で、その程度には確かに言語化できるし、言語化できるべきなのだと思う。