古山 丈 / Joe Koyama

作曲家｜■映画「長崎-閃光の影で-」Orch Arr.
■ミュージカル「ヒヒ伝説」「紡ぎだされる記憶」etc..
■CM「全国高校野球選手権」「損保ジャパン」「JR」etc..
■大阪音楽大学講師
■著書「ネオ・ソルフェージュ(リットーミュージック)」

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

私たち現役の「音楽大学講師」が直接指導！
“生楽器の打ち込み”を極め、”作曲の奥義”を学ぶスクール
「Music Academy “奥義”」
(受講者限定 少人数制)
詳細はホームページをご覧ください。
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[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@Ayuta_DTM 手前味噌で恐縮ですが、以前こんな動画作りました。
もしよろしければ。
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[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

打ち込みオーケストラ曲は、
音源のクオリティも大事ですが、
オーケストレーションも大事です。

打ち込みであっても、
それぞれの楽器の特性を生かす事を意識し、
譜面を書いているつもりで作る。

良い仕事をするには、
それが必要だと思います。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@hidebbi そうですね。
それもありますが、最初に何かの曲のメロディを奏でると予告すれば盛り上がったかもしれません。
いきなりやるとわからないですよね。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

楽器には楽器の役割がある！

「ティンパニにメロディーを演奏してもらうのはやめましょう。」

以前オーケストラ担当として関わった、
某超有名アーティストのライブで、
オーケストラ楽器紹介のコーナーというのがあった。

弦楽器、管楽器、打楽器と、
アーティストが順番に楽器を紹介し、
それぞれソロで数小節演奏してもらう内容。

例えばヴァイオリンは「情熱大陸」を弾いたりといった具合で、
わかりやすいフレーズが続いていたのだが、
ティンパニの順番になり、
そのアーティストのヒット曲のメロディーを、
ティンパニで演奏するというスーパープレイを見せることになった。

ティンパニはあくまで打楽器。
「音程がある太鼓」ではあるのだが、
決してメロディーを演奏する楽器ではない。

そもそもリアルタイムに音程を変えること自体がかなり難しい。

よってティンパニでメロディーを叩くなど、
普通は難しすぎてあり得ないのだが、
それをやり切るとなると、
相当なスーパープレイになる。

そして、その時のティンパニ奏者は凄腕で、
その無茶な超絶技巧を、、
本番でやり切ってくれた！！

私は心で「ブラボー！」と叫んだ。

さて、会場は。

。。

パチパチ。。

微妙な反応。

その日の数千人のお客さんのうち、
今何をやったか気がついた人は、
ほとんどいなかった。

その場にいる全員、
その曲のファンであったはずだが、
それがメロディーと気がついた人はほとんどおらず、
ただ太鼓をドコドコ叩いたように見えたのだ。

そうか。。

確かに我々も、
曲を作る時、
ティンパニにメロディーをやらせることはまずない。

いくらスーパープレイを見せるといっても、

「用法と容量を守ってお使いください」

というやつを無視しすぎてはいけないのだ。

「楽器には楽器の役割がある」

皆さんもどうかお気をつけください。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

こういう、

「楽器の特性」
「人にどう聴こえるか」
「なぜその編成になるのか」

みたいな話は、
Music Academy “奥義”でも
かなり大切にしているテーマです🙌

音楽理論や打ち込みだけでなく、

“実際の現場で音がどう機能するか”

まで含めて、
現役の音大講師や第一線のミュージシャン達と一緒に掘り下げています。

https://t.co/26cNrrqRpi

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

気分転換に散歩していたら、
遠くの方から、
うっすら吹奏楽部の練習が聴こえてきた。

すぐ近くで演奏している訳ではなさそう。

よく耳をすますと、
トランペットとトロンボーンの音ばかり聴こえてくる。

クラリネットやフルートは、
ほとんど聴こえない。

「金管楽器は遠くまで飛ぶ」
というのは、
職業柄分かっているつもりだったけど、

こういう形で体感すると、
改めて面白い。

実はちょうど今、
吹奏楽アレンジを書き終えて、
気分転換に散歩へ出てきたところ。

家ではパソコンが、
2mixを書き出し中。

帰ったら、
金管のフェーダーを
少し上げたくなってきた。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@Niseeeee110359 本当にそう思います🙌

音楽理論はもちろん大事なのですが、

「どのタイミングで何を聴かせるか」

みたいな構成や時間設計は、
実際の曲を大量に浴び、分析することで、
蓄積されていく部分もかなり大きい気がします。

引き出し、
本当に大事ですよね✨

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@akari36miroku ありがとうございます✨

まさにそれですよね🙌

「実際に鳴っている音」より、
“聴き手の頭の中で鳴っている音”
の方が強い瞬間ってある気がします。

1番で印象付けたリフを、
2番であえて抜く、
めちゃくちゃ分かります🎸

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

音楽は時間芸術なので、
前後の時間、前後の記憶の関係性が常に同居している。

例えばリストの「愛の夢」の半音階の部分。

ベース音は鳴っていなくても、
聴いている側の記憶の中では、
まだEbのベースが鳴り続けている。

伴奏の無いアカペラでも、
有名な曲なら、
人は勝手に頭の中でコードを補完してしまう。

ポップスの2番を聴いている時も、
実際には常に、
1番を聴いた記憶が影響している。

つまり音楽は、
「今鳴っている音」だけで出来ている訳ではない。

少し前に何を聴かせたか。

その“記憶”まで含めて、
音楽になっている。

これを意識するだけで、
曲の作り方やアレンジの考え方はかなり変わってくると思う。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@SakuraAubeP ありがとうございます✨

音楽って、
「今鳴っている音」だけではなく、

少し前に聴いたものや、
無意識の記憶まで含めて
作用しているのが面白いですよね🙌

まさに仰る通りで、
ある意味“伏線”に近い感覚かもしれません🏖️

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

先週のMusic Academy”奥義”の講義は、
西里先生の「ギターアレンジの奥義」の回。

先週までのバンド基礎1と2に引き続き、
今回のギター、
来週のドラムとリズムアレンジ、
再来週のミックスとマスタリング。

全五回でバンドの音作りを徹底的に学び、
作品発表でアウトプットしていただきます！

[Music Academy “奥義” @MusicAOugi]

5/28(木)は
バンドアレンジ講座(全5回)の3回目。
西里先生の「ギターアレンジの奥義」の講座でした！

アレンジャーの為のギターについての座学を、
ギタリストの視点で細かくレクチャーいただいた上で、
その基礎を土台に、
アンプシュミレータを使った音作りを実践していただきました。

最後は、
BTS、ワンオクなど楽曲のギター部分を耳コピして、
どんなエフェクターで音作りしているかを解説いただくという、
実践的な内容をふんだんに盛り込んだ充実の回でした！

来週はSatoshi先生の「ドラム、リズムアレンジの奥義」の回です！

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@akari36miroku 確かに。でも一番引くときはオケ全部なしで、歌だけでもいいと思っています♪

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

人は足し算で驚く。

でも、
感動するのは意外と引き算だったりする。

例えば歌には
「落ちサビ」というものがある。

2番の後、
間奏で盛り上げたにもかかわらず、
3回目のサビで急に静かになる。

普通に考えると、
そのまま最後まで盛り上げた方が
気持ち良さそうだ。

でも実際は逆で、

一度引くからこそ、
最後のサビがより大きく感じられる。

映画でもそう。

ずっと爆発シーンばかりだと疲れてしまう。

静かな会話のシーンがあるからこそ、
クライマックスが映える。

花火大会も同じだ。

最後の一発を大きく見せるために、
最初から最後まで
特大花火を打ち上げ続けたりはしない。

音楽もまた、

音を増やす技術より、
感情を運ぶ技術の方が重要なのだと思う。

実際のアレンジの現場でも、
「何を足すか」より、
「何を引くか」で悩むことの方が多かったりする。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

ちなみにアレンジでも似たような事があります。

一度全部作った後、

・ベースを消す
・ドラムを消す
・ピアノだけにする

などを試してみると、

「足した時より良くなった」

という事が意外とあります。

引き算って、
思った以上に強力です。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@akari36miroku 引き算は大事ですよね！ちょっと引き算ネタを思いつきましたので後ほど投稿させていただきます✨

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@kikyouya_wa ありがとうございます✨

オーケストラ系は特に圧縮の影響を受けやすいので、
そう言っていただけると嬉しいです🙇‍♂️

良い環境で聴くと印象も結構変わると思います✨

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

打ち込みオーケストラ曲は、
音源のクオリティも大事ですが、
オーケストレーションも大事です。

打ち込みであっても、
それぞれの楽器の特性を生かす事を意識し、
譜面を書いているつもりで作る。

良い仕事をするには、
それが必要だと思います。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

打ち込みオーケストラ曲は、
音源のクオリティも大事ですが、
オーケストレーションも大事です。

打ち込みであっても、
それぞれの楽器の特性を生かす事を意識し、
譜面を書いているつもりで作る。

良い仕事をするには、
それが必要だと思います。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

@DenkoLab 緩急つけるテクニックですね♪

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

ポップス畑の人に、
クラシックの聴き方の話をする時、
よく花火大会や水族館を例に出しつつ、
ソナタの話をする。

花火大会って、
大体45分〜1時間ほどの中で、
中盤と終盤に
大きな盛り上がりがある。

でも、
最初から最後まで
特大花火を連発するわけではない。

一度盛り上げ、
少し落ち着かせ、
様々な変化を挟みながら、
最後のクライマックスへ向かっていく。

クラシックのソナタ形式もかなり近い。

展開部の終盤から再現部に入る辺りや、
曲の最後に向かって、
大きなクライマックスが設計されていたりする。

さらに言えば、
水族館の導線にも少し似ている。

最初は小さな魚を見ながら進み、
少しずつ期待感を作り、
最後に大水槽やジンベイザメが現れる。

もし入って5秒で
ジンベイザメを見せられて、
その後ずっと小魚だけなら、
多分かなり微妙だと思う。

音楽も同じで、
最初から最後まで
常に最大音圧、
常にクライマックス、
常に全部盛り、
だと、
逆に感情が動かなくなる事がある。

人の心を動かすのは、
単純な刺激の強さだけではなく、
そこへ向かうまでの導線や、
緩急の設計だったりする。

長い曲であるほど、
その配慮はかなり重要になる。

音楽理論やプラグインももちろん大事だが、
「どう感情を運ぶか」
という視点は、
それ以上に本質的な部分かもしれない。

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

こういった
「どう感情を運ぶか」
「どこで爆発させるか」
みたいな話は、

Music Academy “奥義”でも
かなり大事にしている部分です。

音楽理論や打ち込み技術だけでなく、
“人にどう届くか”
という設計そのものについて、
現役の音大講師や、
第一線のミュージシャン達と共に掘り下げています。

興味ある方はぜひ🙌

https://t.co/26cNrrqRpi

[古山 丈 / Joe Koyama @joe_macpro]

美麓あかりさん
ありがとうございます✨

まさにおっしゃる通りで、

天国への階段のような壮大な曲は、
「どこで爆発させるか」
の設計が本当に巧みですよね。

ずっと最大火力ではなく、
静かな場面や余白があるからこそ、
最後の一撃がより刺さるというか。

「音を足す前に引き算を覚えろ」
という言葉も、
かなり本質だと思います。

最近はどうしても、
最初から最後まで情報量を詰め込みたくなりがちですが、
実は“何を鳴らさないか”
の方が難しかったりしますよね🎸